O que o áudio espacial pode e não pode fazer pela música clássica

Anúncio

Apoiado por

Caderno do Crítico

Formatos de áudio envolventes, embora mais recentes para o pop, têm sido usados ​​por compositores há décadas. Mas nem todas as obras exigem tratamento espacial.

Por Seth Colter Walls

Desenvolvimentos recentes em áudio espacial – álbuns antigos e novos sendo mixados para formatos imersivos – foram notícia no mundo do pop.

Dado o processo de produção correto (no estúdio) e a configuração tecnológica (em casa), os sons dos fones de ouvido não precisam mais parecer tão estaticamente pressionados em cada ouvido; em vez disso, eles podem parecer girar em torno de sua cabeça ou acenar pela nuca.

Ou simplesmente respire novamente. Esteja você se concentrando em um sotaque de guitarra deslizante no mix Dolby Atmos de “Mine (Taylor's Version)” de Taylor Swift ou apreciando os detalhes serrilhados da filigrana de arranjos de metais no vintage “Big Swifty” de Frank Zappa, a ideia é traga a sensação tridimensional aprimorada de conjuntos de alto-falantes grandes para seus ouvidos.

Mas a música clássica já existia há décadas. A Deutsche Grammophon e a gravadora Philips experimentaram o “Quadraphonic” – ou lançamentos de quatro canais – na década de 1970. Mais recentemente, gravações e mixagens binaurais, projetadas para simular aquela sensação 3D, têm sido uma delícia. Agora, porém, essas e outras práticas de produção espacial estão desfrutando de investimentos corporativos mais profundos, incluindo a tecnologia de rastreamento de cabeça como um recurso dos mais novos fones de ouvido Beats da Apple. (Quando você move a cabeça enquanto os usa – com a opção de rastreamento ativada – os pontos sonoros parecem permanecer fixos em seu campo de 360 ​​graus, mesmo se você desviar.)

O rastreamento de cabeça parecia em grande parte inútil para mim - até mesmo uma distração - até que tentei com a nova gravação de arquivo “Evenings at the Village Gate”, com John Coltrane e Eric Dolphy.

Ouvir o clarinete baixo de Dolphy na frente do meu rosto - de uma forma que permaneceu estável, mesmo quando eu balancei a cabeça maravilhada com sua forma de tocar - me permitiu a sensação fugaz de que estava compartilhando espaço com a lenda. Um truque bacana, embora não mais importante do que Dolphy ou Coltrane tocarem em seus próprios termos.

Na época em que a gravação foi feita, os compositores clássicos traziam conceitos espacializados para a sua prática criativa. Mesmo antes de a tecnologia comparativamente moderada de som estéreo de dois canais ser padrão em todas as casas, Karlheinz Stockhausen e outros já usavam mixagens mais complexas para trabalhos envolvendo eletrônica ou elementos gravados.

Há uma razão pela qual Stockhausen é um dos destaques culturais na capa de “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”: obras do compositor, como “Gesang der Jünglinge”, de 1956, empregavam mixagem de cinco alto-falantes (incluindo um no teto). Isso deixou uma impressão duradoura em Paul McCartney, que certa vez descreveu “Gesang” como sua peça “plick-plop” favorita de Stockhausen.

Agora, cantos mais tradicionais do mundo da música clássica também estão entrando no áudio espacial.

Os principais maestros do mundo orquestral – incluindo Riccardo Muti e Esa-Pekka Salonen – aprovaram pessoalmente mixagens de áudio espacial de suas gravações recentes, que foram lançadas no Apple Music e em seu aplicativo independente de streaming de música clássica. E, como acontece com outros gêneros, a Apple reuniu playlists de remixes espacializados.

Enquanto isso, os músicos regulares do grupo imersivo da música clássica continuaram a exercer sua profissão: membros do SWR Experimentalstudio compareceram ao Time Spans Festival em Nova York este mês, trazendo obras de som surround do modernista italiano Luigi Nono. E o compositor e saxofonista americano Anthony Braxton trouxe um novo conceito de som surround, “Thunder Music”, para o Curso de Verão de Darmstadt, na Alemanha.

Essas apresentações ao vivo foram fantásticas. É uma história diferente nas gravações: depois de ouvir uma variedade de mixagens Dolby Atmos recentemente, senti que a gama de ofertas espaciais mais convencionais da música clássica continua sendo um trabalho em andamento.

Em algum lugar no meio estava o Sonic Sphere, uma realização de um conceito de áudio espacial de Stockhausen, no Shed em Nova York neste verão. Sua configuração de 124 alto-falantes abrangia cerca de 200 ouvintes por vez. No início de julho, ouvi um novo mix de “Music for 18 Musicians”, de Steve Reich, que apresentava graves turvos. Isso, infelizmente, também roubou da obra sua graça cinzelada e minimalista; em vez de seguir as linhas do clarinete baixo, você apenas adivinhou que elas estavam lá. Uma sensação de drama foi desperdiçada.